Un escritor (Ewan McGregor) es contratado para escribir la “autobiografía” de Adam Lang (Pierce Brosnan), ex primer ministro británico. Pero no es el primero: el escritor que comenzó el trabajo murió en extrañas circunstancias. Lo que al principio parece una gran oportunidad económica, deriva en una peligrosa investigación, cuando descubra información comprometedora que puede suponer un escándalo político internacional. El escritor ya no está a salvo.
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jueves, 18 de noviembre de 2010
lunes, 12 de julio de 2010
La celebración
Festen es una película dirigida por Thomas Vinterberg en el año 98, que se llevó el premio especial del jurado en Cannes y el Oscar por la mejor película de habla no inglesa.
Este filme es célebre entre otras cosas por haber sido la primera película del movimiento Dogma 95 bajo el título Dogma #1 - Festen. La pelicula de Vinterberg es un perfecto cuadro cuyas pinceladas dejan entrever las turbias relaciones entre los miembros de una familia.
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Este filme es célebre entre otras cosas por haber sido la primera película del movimiento Dogma 95 bajo el título Dogma #1 - Festen. La pelicula de Vinterberg es un perfecto cuadro cuyas pinceladas dejan entrever las turbias relaciones entre los miembros de una familia.
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martes, 6 de julio de 2010
Las trillizas de Belleville: la vuelta al mundo en una bicicleta
A la hora de hacer una película animada, a Sylvain Chomet le gusta imaginar que el público que concurra a verla pueda ser capaz de observar a los animadores haciendo su trabajo. Que hay algunas películas en que es posible ver a los animadores aburridos, bostezando y mirando todo el tiempo el reloj. Y otras en las que la energía de los dibujantes atraviesa la pantalla hasta llenar la sala, permitiéndoles compartir la magia de ese momento a los espectadores. Eso fue lo que escribió Chomet en un artículo publicado por el New York Times justo antes de la entrega de los Oscar de este año, premio por el que competía como director de Las trillizas de Belleville. Y eso es lo que justamente demuestra su obra, una película de animación sin prejuicios, que se toma todo el tiempo del mundo para contar su historia y, mientras lo hace, la magia de sus dibujos permite compartir la fascinación por ese momento único en que un universo es animado para su disfrute.
El último gran fenómeno del cine europeo y la película francesa más vendida al exterior en los últimos tiempos, Las trillizas de Belleville es obra de un dibujante e historietista francés devenido director de cine de animación. Fanático confeso del trabajo del británico Nick Park, el japonés Hadao Miyasaki y el estadounidense John Lasseter, Sylvain Chomet apunta a convertirse en el nuevo autor de lo que él llama una tercera vía de la animación. La de aquellos que no piensan en el estilo Disney ni en el de la animación televisiva, que piensan en la obra antes que en el público, que a la hora de pensar en sus películas no piensan solamente en los niños. Algo que sucede con todos los directores nombrados anteriormente, pero aún más en la película de Chomet. Luego de haber trabajado para Disney en Canadá, Chomet parece haber conseguido con Las trillizas... un lugar propio dentro del mundo de la animación más personal. Y lo hizo con un debut en el largometraje que fue aclamado el año pasado en el festival especializado de Annecy, pero también fue unánimemente celebrado en Cannes, y que llegó a ser nominado al Oscar compitiendo con un megaéxito como Buscando a Nemo.
Exhibida en el último festival de cine porteño, Las trillizas... arranca como una celebración de la animación más tradicional, aquella en blanco y negro de los hermanos Fleischer y de Betty Boop. Pero rápidamente deviene en casi una versión animada del más clásico humor del cine francés, con Jacques Tati como abanderado. Su verdadero trío protagónico es el integrado por Madame Souza, un nieto ciclista y un perro torpe y querible llamado Bruno. A la megalópolis del título –Belleville– llegará primero el nieto, casi directamente desde una carrera de bicicletas que recuerda al Tour de France, y detrás de su pista irán abuela y mastín. Y una vez allí se encontrarán con las trillizas, un trío de avejentadas hermanas musicales, con basquetbolistas atrapados dentro de sus largos cuerpos –como bien las describió el director–, y un espíritu joven a pesar de los años.
Obra de climas y personajes, Las trillizas de Belleville es una película descriptiva antes que narrativa, que ofrece una visita a un mundo regido por otras leyes. La de la observación asombrada y cómplice antes que la del espectáculo vertiginoso, aun cuando su visión asegure un espectáculo para los ojos. Prácticamente muda, su historia se va presentando con mucho garbo y bastante ingenio. Hay un estudio de personajes familiares y también la trama de un secuestro, y detrás de todo eso el tesón de Madame Souza, la torpeza de Bruno y el universo personal de las trillizas, cuyas historias constituyen el principal encanto de una película muy particular, a la que es muy fácil querer y difícil no entregarse a disfrutar. Y que sería limitado describir apenas como un dibujo animado para adultos. Lo es, claro. Pero simplemente por no querer limitar su capacidad de observación, su temática y sus referentes a la hora de ponerse a dibujar. Y a contar.
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El último gran fenómeno del cine europeo y la película francesa más vendida al exterior en los últimos tiempos, Las trillizas de Belleville es obra de un dibujante e historietista francés devenido director de cine de animación. Fanático confeso del trabajo del británico Nick Park, el japonés Hadao Miyasaki y el estadounidense John Lasseter, Sylvain Chomet apunta a convertirse en el nuevo autor de lo que él llama una tercera vía de la animación. La de aquellos que no piensan en el estilo Disney ni en el de la animación televisiva, que piensan en la obra antes que en el público, que a la hora de pensar en sus películas no piensan solamente en los niños. Algo que sucede con todos los directores nombrados anteriormente, pero aún más en la película de Chomet. Luego de haber trabajado para Disney en Canadá, Chomet parece haber conseguido con Las trillizas... un lugar propio dentro del mundo de la animación más personal. Y lo hizo con un debut en el largometraje que fue aclamado el año pasado en el festival especializado de Annecy, pero también fue unánimemente celebrado en Cannes, y que llegó a ser nominado al Oscar compitiendo con un megaéxito como Buscando a Nemo.
Exhibida en el último festival de cine porteño, Las trillizas... arranca como una celebración de la animación más tradicional, aquella en blanco y negro de los hermanos Fleischer y de Betty Boop. Pero rápidamente deviene en casi una versión animada del más clásico humor del cine francés, con Jacques Tati como abanderado. Su verdadero trío protagónico es el integrado por Madame Souza, un nieto ciclista y un perro torpe y querible llamado Bruno. A la megalópolis del título –Belleville– llegará primero el nieto, casi directamente desde una carrera de bicicletas que recuerda al Tour de France, y detrás de su pista irán abuela y mastín. Y una vez allí se encontrarán con las trillizas, un trío de avejentadas hermanas musicales, con basquetbolistas atrapados dentro de sus largos cuerpos –como bien las describió el director–, y un espíritu joven a pesar de los años.
Obra de climas y personajes, Las trillizas de Belleville es una película descriptiva antes que narrativa, que ofrece una visita a un mundo regido por otras leyes. La de la observación asombrada y cómplice antes que la del espectáculo vertiginoso, aun cuando su visión asegure un espectáculo para los ojos. Prácticamente muda, su historia se va presentando con mucho garbo y bastante ingenio. Hay un estudio de personajes familiares y también la trama de un secuestro, y detrás de todo eso el tesón de Madame Souza, la torpeza de Bruno y el universo personal de las trillizas, cuyas historias constituyen el principal encanto de una película muy particular, a la que es muy fácil querer y difícil no entregarse a disfrutar. Y que sería limitado describir apenas como un dibujo animado para adultos. Lo es, claro. Pero simplemente por no querer limitar su capacidad de observación, su temática y sus referentes a la hora de ponerse a dibujar. Y a contar.
Luciano Monteagudo (Página/12)
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lunes, 5 de julio de 2010
La vie en rose
La vida en rosa (La vie en rose) es una película francesa dirigida por Olivier Dahan. Un retrato impresionista del icono de la música francesa Édith Piaf, cuya vida trágica parece tomada de una novela del siglo XIX. La película recorre su trayectoria, la cual se inició en los barrios bajos del distrito Belleville de París hasta alcanzar el éxito en New York. La historia de una mujer que creció en medio de la pobreza, rodeada de espectáculos callejeros, prostitutas y padrotes, quien, gracias a su apasionada lucha por sobrevivir y amar, se convirtió en una estrella mundial.
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jueves, 1 de julio de 2010
El laberinto del Fauno (Guillermo del Toro)
El laberinto del fauno es una película hispano-mexicana de 2006, escrita y dirigida por Guillermo del Toro. Protagonizada por Ivana Baquero, Ariadna Gil, Sergi López, Doug Jones, Maribel Verdú, Álex Angulo en los papeles principales.
Es la segunda parte de la trilogía informal de películas fantásticas de Guillermo del Toro, ambientadas en la guerra civil y posguerra española. La primera fue El espinazo del diablo (2001).
Ganadora de 3 premios Óscar y otros 68 premios cinematográficos más. Candidata a 58 premios.
La narración transcurre en una zona no identificada del Pirineo aragonés (se nombra al cordero como ternasco, los maquis reciben refuerzos de Jaca, e incluso Maribel Verdú recibió para la película clases de acento aragonés), el año 1944, cinco años después del fin de la Guerra Civil Española. Cuenta el apasionante viaje de Ofelia (Ivana Baquero), una niña de 10 años muy aficionada a los libros de fantasía, quien junto a su madre, Carmen (Ariadna Gil), en un delicado estado de salud debido a su avanzado estado de gestación, se traslada hasta un pequeño pueblo en el que se encuentra destacado Vidal (Sergi López), un cruel capitán de la Policía Armada franquista, nuevo marido de Carmen (ya que el padre de Ofelia había muerto al inicio de la guerra), individuo por quien Ofelia no siente ningún afecto.
Pradera donde fue rodada la mayor parte de la película. Está situada en un bosque de pino silvestre en la localidad de San Rafael, en la provincia española de Segovia.
El capitán Vidal se encuentra destacado para acabar con los últimos vestigios de los resistencia republicana, escondidos en los montes de la zona, para lo cual no duda en utilizar toda clase de procedimientos, incluyendo el asesinato y la tortura, así como el apropiamiento y racionamiento de alimentos de la población civil de la zona.
Vidal tiene su centro de operaciones en un antiguo molino situado fuera del pueblo. Aparte de los guardias civiles, en el molino los esperan Mercedes (Maribel Verdú), una joven del pueblo que se encuentra a cargo de los demás miembros del servicio, y el doctor Ferreiro (Álex Angulo), quien se hace cargo del precario estado de Carmen.
Una noche, Ofelia descubre las ruinas de un laberinto donde se encuentra con un fauno (Doug Jones), una extraña criatura que le hace una revelación: Ofelia no es en realidad quien cree ser, sino una princesa, última de su estirpe, a la que su pueblo lleva mucho tiempo esperando. Para poder regresar, deberá superar tres pruebas antes de que llegue la luna llena. En el transcurso de su misión, la fantasía y la brutal realidad se entremezclan, dando lugar a una historia donde la magia que rodea a Ofelia le sirve para evadirse de la cruel realidad en la que se encuentra inmersa.
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Es la segunda parte de la trilogía informal de películas fantásticas de Guillermo del Toro, ambientadas en la guerra civil y posguerra española. La primera fue El espinazo del diablo (2001).
Ganadora de 3 premios Óscar y otros 68 premios cinematográficos más. Candidata a 58 premios.
La narración transcurre en una zona no identificada del Pirineo aragonés (se nombra al cordero como ternasco, los maquis reciben refuerzos de Jaca, e incluso Maribel Verdú recibió para la película clases de acento aragonés), el año 1944, cinco años después del fin de la Guerra Civil Española. Cuenta el apasionante viaje de Ofelia (Ivana Baquero), una niña de 10 años muy aficionada a los libros de fantasía, quien junto a su madre, Carmen (Ariadna Gil), en un delicado estado de salud debido a su avanzado estado de gestación, se traslada hasta un pequeño pueblo en el que se encuentra destacado Vidal (Sergi López), un cruel capitán de la Policía Armada franquista, nuevo marido de Carmen (ya que el padre de Ofelia había muerto al inicio de la guerra), individuo por quien Ofelia no siente ningún afecto.
Pradera donde fue rodada la mayor parte de la película. Está situada en un bosque de pino silvestre en la localidad de San Rafael, en la provincia española de Segovia.
El capitán Vidal se encuentra destacado para acabar con los últimos vestigios de los resistencia republicana, escondidos en los montes de la zona, para lo cual no duda en utilizar toda clase de procedimientos, incluyendo el asesinato y la tortura, así como el apropiamiento y racionamiento de alimentos de la población civil de la zona.
Vidal tiene su centro de operaciones en un antiguo molino situado fuera del pueblo. Aparte de los guardias civiles, en el molino los esperan Mercedes (Maribel Verdú), una joven del pueblo que se encuentra a cargo de los demás miembros del servicio, y el doctor Ferreiro (Álex Angulo), quien se hace cargo del precario estado de Carmen.
Una noche, Ofelia descubre las ruinas de un laberinto donde se encuentra con un fauno (Doug Jones), una extraña criatura que le hace una revelación: Ofelia no es en realidad quien cree ser, sino una princesa, última de su estirpe, a la que su pueblo lleva mucho tiempo esperando. Para poder regresar, deberá superar tres pruebas antes de que llegue la luna llena. En el transcurso de su misión, la fantasía y la brutal realidad se entremezclan, dando lugar a una historia donde la magia que rodea a Ofelia le sirve para evadirse de la cruel realidad en la que se encuentra inmersa.
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lunes, 28 de junio de 2010
Tim Burton: Beetlejuice, 1988
Beetlejuice (literalmente, ‘jugo de escarabajo’), Bitelchús en España, es un personaje creado por el cineasta Tim Burton. Beetlejuice es un difunto que vive en el no mundo, recreación del mundo real según la visión de los muertos. Beetlejuice trabaja precisamente como «exorcista de los vivos» (autodenominado «bioexorcista»), es decir, ayuda a los fantasmas a echar de su hogar, o de cualquier otro lugar, a cualquier ser vivo que les pueda molestar. Beetlejuice fue diseñado como un hombre sucio, grosero y pícaro, cuya idea de una buena alimentación son las cucarachas; va desaliñado, su mejor gala es un anticuado traje a rayas y es capaz de transformarse o de desfigurar su cuerpo a su antojo en las más diversas y grotescas formas.
Este disparatado personaje fue el protagonista de una película con su nombre, Beetlejuice, estrenada en el año 1988, dirigida por su propio creador, Tim Burton, y protagonizada por el actor Michael Keaton en el papel de Beetlejuice; Winona Ryder hace el papel de Lydia Deetz, una sombría muchacha que detesta a su padre y su madre adoptiva, Charles y Delia Deetz, interpretados por Jeffrey Jones y Catherine O'Hara, respectivamente. La película, de un delirante humor negro, fue un gran éxito por aquel año, recaudando sólo en Estados Unidos 73 millones de dólares. Para los fans de culto de Burton fue, y es hoy día, una pieza imprescindible para su colección.
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Este disparatado personaje fue el protagonista de una película con su nombre, Beetlejuice, estrenada en el año 1988, dirigida por su propio creador, Tim Burton, y protagonizada por el actor Michael Keaton en el papel de Beetlejuice; Winona Ryder hace el papel de Lydia Deetz, una sombría muchacha que detesta a su padre y su madre adoptiva, Charles y Delia Deetz, interpretados por Jeffrey Jones y Catherine O'Hara, respectivamente. La película, de un delirante humor negro, fue un gran éxito por aquel año, recaudando sólo en Estados Unidos 73 millones de dólares. Para los fans de culto de Burton fue, y es hoy día, una pieza imprescindible para su colección.
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viernes, 25 de junio de 2010
Inteligencia artificial, Steven Spielberg
Influenciado por cineastas tan diversos como Alfred Hitchcock, David Lean, Akira Kurosawa, Frank Capra y Stanley Kubrick, Steven Spielberg es sin duda uno de los mejores guionistas, productores y directores de la historia del cine. Muchas de sus películas permanecen en la memoria de miles de espectadores que de vez en tanto deciden volver a endulzar sus retinas con clásicos como La lista de Schindler (1993), Tiburón (1975) y el legendario E.T (1982), quien cautivó los corazones de cientos de niños que, como yo, vivieron la época de los`90.
En esta oportunidad quisiera hacer una reseña del film Inteligencia Artificial (2001), la película que lo llevó a ganar el Globo de Oro al mejor director en el 2002. Aunque ni el tema que desarrolla, ni el tratamiento cinematográfico son nuevos, en la película se abordan cuestiones que lejos de parecer sacadas de la ciencia ficción, son situaciones perfectamente factibles hoy en día: desarrollo tecnológico aplicado al campo de la medicina, robótica, clonación. Estos y otros temas son más que cotidianos en este, el siglo XXI. Un film extremadamente interesante, una de esas joyitas que no podes dejar de ver.
En esta oportunidad quisiera hacer una reseña del film Inteligencia Artificial (2001), la película que lo llevó a ganar el Globo de Oro al mejor director en el 2002. Aunque ni el tema que desarrolla, ni el tratamiento cinematográfico son nuevos, en la película se abordan cuestiones que lejos de parecer sacadas de la ciencia ficción, son situaciones perfectamente factibles hoy en día: desarrollo tecnológico aplicado al campo de la medicina, robótica, clonación. Estos y otros temas son más que cotidianos en este, el siglo XXI. Un film extremadamente interesante, una de esas joyitas que no podes dejar de ver.
jueves, 24 de junio de 2010
King Kong: un clásico del cine neoyorquino
Las calles de Nueva York sirven de decorado todos lo años a más de 900 películas y series de televisión. Muchas de los filmes son ya obras míticas del cine. Quién no recuerda a King Kong encaramado a la antena del Empire State, mientras sujeta delicadamente en su mano a Fray Wray?; o las faldas de Marilyn Monroe levantándose sobre la rejilla de metro en Lexington Avenue y la calle 52 en "La tentación vive arriba"?; a Cary Grant esperando a Deborah Kerr en el mirador del Empire State en "Tu y yo"?; o a Audrey Hepburn mirando el escaparate de Tiffany's en "Desayuno con diamantes"?.
Una de las películas más famosas que nos han enseñado Nueva York en las pantallas en King Kong, dirigida por Merian C. Cooper en el año 1933, con Fray Wray y King Kong de protagonistas.
En 1932, un año antes del estreno de la película, Delos W. Lovelace publicó una novelización del guión de King Kong, con algunas escenas que no están presentes en la película. King Kong fue estrenada por primera vez en Nueva York el 2 de marzo de 1933, en el teatro Radio City Music Hall.
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Fanny y Alexander, de Ingmar Bergman
"La fotografía es verdad. Y el cine es verdad 24 veces por segundo".
Jean Luc Goddard
Ingmar Bergman (Uppsala, 14 de julio de 1918 - Fårö, (Gotland), 30 de julio de 2007) cineasta, guionista y escritor sueco, tanto de obras de teatro como de cine. Considerado uno de los directores de cine clave de la segunda mitad del siglo XX, para muchos es el director más importante de la cinematografía mundial.
En su haber tiene muchas películas dignas de un gran reconocimiento. Pero en esta oportunidad quiero hablar de la exquisita Fanny y Alexander: cine y miniserie de la televisión sueca, el adiós oficial de su director a la gran pantalla, autobiografía y ficción, la infancia y la inocencia perdida por la fuerza, los usos sociales, la vanidad, el amor, la amistad y la familia, el mundo adinerado y del teatro, etc se dan cita en la película más reconocible y popular de Bergman para espectadores de todas las generaciones, y casi su mejor película. Sus 285 minutos en versión íntegra proporcionan al espectador un placer incomparable, ineludible, intelectual y sentimental que supone cerrar todo un ciclo en cuanto a la manera de narrar, temática y estilos, finalizando todo con una búsqueda de la esencia, de lo aprendido y de las bases de un cine que será siempre eterno. Les dejo el trailer para que puedan comprobar por ustedes mismos esta joya de la cinematografía.
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